架子鼓

架子鼓（英文：Drum kit、Drum set、Trap set），又称爵士鼓，它是爵士乐队中最重要的乐器之一。是19世纪90年代舞台乐队通过用自由表达的节奏表现其节奏感而萌发的产物，并形成于20世纪40年代。

目前我们所熟知的现代架子鼓有近百年的历史，它不仅是一台计时机器，也是一种艺术表达的工具。1571年，第一批黑人被运到了当时的西班牙殖民地美洲，黑人奴隶的到来不但带来了他们的劳动力，而且为美洲带来了新的音乐文化—源于非洲的音乐与舞蹈。非洲土著黑人通过音乐来表达他们的各种感情，特别是在一些重要仪式上，比如婚礼、葬礼、节日庆典等重要时刻，人们总是聚在部落或村庄载歌载舞，而这其中重要的乐器就是鼓。鼓是非洲居民的传统乐器，又名手鼓，是最具代表性的打击乐器。非洲手鼓Djembe起源于十三世纪曼丁人建立的马利王朝，最初是由铁匠们手工制造的，人们在演奏时将鼓吊在脖子上，几个人一起配合演奏，而且这种鼓乐有上千种节奏。这种木鼓不但是非洲居民的娱乐工具、乐器以及非洲文化的产物，而且还是他们的联系和报警的工具，是他们的一种语言。直到19世纪初，在美洲的黑人奴隶仍然保持着他们的这种传统，尤其是在当时受到西班牙和法国影响的城市，比如路易斯安娜洲，密西西比的首府新奥尔良。

1896年新奥尔良约翰·罗比乔管弦乐团

1861年以后，在美国南北战争期间，由于美国南方的庄园里的主要劳动力为黑人奴隶，他们害怕黑人通过这种鼓乐的语言来进行谋反的策划，因此他们禁止黑人奴隶再使用他们的传统音乐和乐器—鼓。而这一举动促成了爵士乐的诞生。爵士乐的诞生使打击乐器爵士鼓在乐队或乐团演奏中的地位得以提升。在爵士乐中，架子鼓第一次取得了和其它乐器同等的地位，终于也可以被用来演奏鼓旋律(Solo)，通过独奏来表现某一段音乐或是鼓手的个人思想。

早期架子鼓演奏

鼓组最初被称为“trapset”，从1800年代末到1930年代，鼓手被称为“trap鼓手”。架子鼓始时专为爵士乐伴奏。“爵士”二字，并非指英国皇室的勋位，而是一名早期美国黑人乐手的名字，全名为爵士波·布朗。早期的爵士乐是美国下层黑人们自娱自乐的音乐形式，当这位著名的黑人乐手演奏时，人们常常兴奋的高呼“爵士，再来一个！”后来，这种音乐就因这位黑人歌手而得名。习惯上称做“爵士乐”了。在经典鼓组发展之前，军事和管弦乐中使用的鼓和铙钹是由不同的打击乐手分别演奏的。1840年代，打击乐手开始尝试使用脚踏板，让他们能够演奏多种乐器，但这些设备在接下来的75年里才得以大规模生产。到了1870年代，鼓手开始使用悬垂踏板。爵士鼓从外观上看去就像一排架子上挂着很多鼓，鼓手演奏起来十分神气、显眼，抑扬顿挫的立体鼓点铿锵动听。在中国，人们就按它的外型而习惯叫它“架子鼓”，架子鼓的演奏俗称“打架子鼓”。

1800年代末至20世纪初来到美国的移民带来了各种打击乐器，现代鼓就是这种文化融合的结果。20世纪初，爵士乐队对保持节拍的要求催生了架子鼓的诞生。“双鼓”在这一时期出现，鼓手可以用鼓棒演奏低音鼓和军鼓，同时使用踏板控制钹。这个踏板最终影响了最初的踩镲的创作，当时它被称为“low boy”。随着鼓设备的发展，音乐也在发展。直到1909年，路德维希鼓公司(Ludwig DrumCo.)的老威廉·路德维希(William F.Ludwig,Sr.)和他的兄弟西奥博尔德(Theobald)首创了低音鼓脚踏板，发明了第一个弹簧驱动的踏板，彻底改变了鼓乐运动。鼓手立即能够演奏得更快、演奏时间更长。并实现了一名鼓手可以同时演奏多个部分，轰动一时。

低音鼓踏板

到第一次世界大战时，鼓组通常是军乐队风格的低音鼓，周围有许多打击乐器，并悬挂在鼓上。鼓组成为爵士乐的核心部分，尤其是迪克西兰爵士乐。现代架子鼓诞生于20世纪20年代新奥尔良的歌舞杂耍时代。

随着新音乐风格与派对和夜生活的流行，架子鼓开始在乐队舞台上占据一席之地。现代鼓组也开始成形，各种其他打击乐器也被添加到鼓手的“武器库”中。如现代汤姆则是以中国传统的圆柱形调音鼓为基础。20年代的鼓组还经常包含美丽的绘画，作为制造它们的公司和工匠的签名。

绘画后的鼓

当时音乐剧管弦乐团受限于预算和空间导致乐队领队向打击乐手施压，要求他们演奏更多的打击乐部分。其中金属控制台是为了放置中国的桶鼓而开发的，控制台顶部有一个“装置”托盘（缩写为“陷阱”），用于放置口哨、喇叭和牛铃等物品。这些套件被称为“陷阱套件(Trap Kits)”。1929年，一位名叫Avedis Zildjian III的土耳其移民延续了家族的镲片制造传统，成立了美国第一家主流镲片公司。随后发明了当今最流行的镲片类型，包括碰撞钹、骑镲、飞溅钹、嘶嘶钹和踩镲。1935年后，鼓手声名达到顶点，鼓艺广泛流行于民众当中，到处可听到见到鼓的演奏。任何的舞台表演都有一番精彩的爵士鼓独奏。一些出名的鼓手甚至拥有自己的乐队。近年来，一些乐器制造商为了能更容易调节爵士鼓音调的高低，从而采用了交响乐队中定音鼓的鼓圈和转动鼓体改变鼓皮松紧的原理，制成一种薄型单皮桶鼓，在演奏中被众多鼓手们运用。

20世纪中期，摇滚乐(Rock)在美国风靡起来，由于爵士鼓变化多端的节奏和鼓手高超的演奏技艺，使得架子鼓成为摇滚乐不可缺少的组合型打击乐器。在接下来的近十年，由于更强大的扩声设备，摇滚乐变得越来越响亮。鼓手通过修改他们的鼓组来适应与电吉他和贝斯的竞争。埃里克·克莱普顿(Eric Clapton)的强力三重奏Cream中的金格·贝克(Ginger Baker)开始使用一对低音鼓；重金属演奏家后来也会这样做。制造商通过生产包含更多组件的套件并加厚镲片来满足对响度的需求。20世纪70年代，人们开发了丙烯酸鼓，以产生满足大声竞技场环境要求所需的分贝。与此同时，许多鼓手在装备和演奏上都追求最大限度的方法。Neal Peart的设置不仅包括一个巨大的鼓组，还包括一组辅助打击乐器，例如寺庙块和管钟，用于在《Rush》中提供色彩效果。

随着电子技术的发展，出现了电子架子鼓，也叫电子鼓。80年代，随着MIDI技术的引入，鼓配备了软垫，在敲击时会触发电子声音。最早的电子鼓比传统鼓具有物理优势：它们结构紧凑，可以佩戴耳机一起练习。

1979年的早期Simmons电子鼓组

电鼓以音续器为核心，触发器为周遍的形式构成。如同电脑，主机为音续器，键盘、鼠标为出发器。音续器的功能强大到鼓手需要经过很长时间的研究、摸索，才能达到熟练的控制与利用。同时，音续器里包括多种多样的音乐风格伴奏，鼓手可以跟随伴奏进行演奏，也可以在需要的时候调节伴奏速度、小节循环、音量大小等。而触发器也将力度的变化更加细致，但灵敏度没有真鼓好，吊镲与踩镲的细节，可以控制到止音与踩镲的开合音细腻入微的程度。当然，也有人反对电子鼓，反对大量的电子鼓的设置。在垃圾摇滚时代，戴夫·格罗尔(Dave Grohl)在Nirvana的作品中使用了一套精简的套件，只有低音鼓和军鼓、两个通鼓和铙钹，其他球员则使用三件套。并非所有人都拒绝电子鼓。一些演奏家，例如Radiohead的Philip Selway，会将传统鼓声与电子鼓声结合起来，达到出色的效果。到了21世纪初，尤其是现阶段，越来越多的鼓手喜欢用电子鼓做打击练习，上台表演等，现今又出现并流行了手机架子鼓等。

架子鼓通常由一个脚踏的低音大鼓（Bass Drum，又称底鼓或脚鼓）、两到三个嗵鼓（Tom-Tom），其中最大的嗵[tōng]鼓又被称为落地鼓（Floor Tom）、踩镲（Hihat Cymbal）、大鼓踏板Drum Pedal)和镲片（Cymbal）组成。其中，镲片分为碎音镲（Crash Cymbal，有时也被称作“强音镲”或“吊镲”）、叮叮镲（Ride Cymbal）以及发出效果音的中国镲（China Cymbal，又称反镲）、水镲（Splash Cymbal）等。

架子鼓构造

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因演奏需要，有时会增设一些如牛铃、木鱼、沙锤、三角铁、吊钟等配件，鼓手用鼓槌击打各部件使其发声。爵士乐中常用的鼓槌有木制的鼓棒（典型的鼓槌是由单块木材制成的，最常见的是山核桃木，较少见的是枫木，最不常见但数量仍然很大的橡木），由钢丝制成的鼓刷，由一捆细木条捆成的束棒等。

架子鼓乐手在长期的表演实践过程，探索出了不同的节奏风格，这些节奏风格成为某些音乐体裁的重要基础，如迪斯科、伦巴、探戈、桑巴、恰恰、波莱罗等节奏。

架子鼓演奏最基本的表演手段以及最主要的内容就是打节奏。架子鼓的节奏既是旋律组成的主要部分，同时也是乐曲结构构成的主要因素，节奏能够将架子鼓音律的长短、强弱、轻重以及快慢有规律的组合在一起，充分表达出整首乐曲的情感，增强架子鼓的表现力以及乐曲的感染力。

架子鼓的旋律是音乐的主要表现形式之一，因为架子鼓的旋律能够将高低、长短不一的乐音按照一定的节奏和调式组织在一起，从而塑造更好的特定音乐形象，将音乐内容及情感充分的展现出来。

架子鼓演奏由于多是为通俗音乐服务的，所以在一定程度上也就决定了架子鼓在演奏过程中，其现代风格强烈，且无论是劲歌热舞，还是抒情慢歌，舞曲都有着强烈的节奏感，所以能歌善舞也成为通俗音乐的发展趋势。随着鼓声载歌载舞，所以架子鼓逐渐成为歌唱者和听众共同关注的演奏乐器。例如：以伦巴舞的节奏著称的《耶利亚女郎》，或者是二四拍迪斯科节奏的《巴比伦河》等。

架子鼓标准、正确的持棒方式直接影响着鼓手在演奏中的发挥，常用的持棒方式主要有对称式、标准式以及现代式三种。架子鼓鼓手无论选择哪一种持棒方式，其手臂、手腕和手指都必须要灵活，以便于使双手和鼓棒融为一体，从而击奏出更动听的乐章。

持棒持棒最重要的一点是找准鼓棒的支点，在持棒的位置将鼓棒分成三段，而支点就在鼓棒尾部的三等分处，这个位置对于鼓棒的其他位置而言，在平衡性和弹性上有一定的优势，紧接着，用食指和拇指握住支点，进而用其他三根手指扣住鼓棒，而左手也是采用同种方法来握棒。另外，由于鼓手的习惯不一样，所以有的鼓手在演奏过程中喜欢站立，而有的鼓手喜欢坐着演奏，但无论选择哪一种演奏方式，鼓手都需要保证身体的放松。

在标准式持棒方式中，左右手的握棒方式是存在差异的。一般情况下，左手需要整个鼓棒接近末尾的三分点处，食指和中指自然弯曲，整个手掌心向内。小军鼓演奏中经常使用标准式持棒方法，除了小军鼓演奏之外，有一些爵士音乐演奏也会用到标准式持棒方式。

现代式持棒又称为扣腕式持棒，在某种程度上，现代式持棒与对程序持棒有相同处，而异同处就是现代式持棒在演奏时，双手要更加向内翻，整个手心朝下，以使两个鼓棒的中心集中在敲击点上面，此种持棒方式最常应用于现代音乐演奏。*数据来源：

架子鼓作为现代流行音乐演奏的重要组成器乐之一，它涉及多个器件且种类繁多，由演奏者一人独立完成。基本演奏方法的应用效果直接决定了演奏者的演奏效果，主要表现在音色构建及节奏与力度控制等方面，同时对观众的视听感受也具有重要影响。

架子鼓记谱用五线谱，用F谱表，低音大鼓在第一间，小鼓在第三间，耳鼓Ⅰ在第四间，耳鼓Ⅱ在第四线，大桶鼓在第二间，大立镲分别别记在上加一间，踩镲写在下加一间。架子鼓并无固定的音高，一般由演奏者根据乐曲的需要去调定选择。

五线谱

小鼓演奏姿势之所以选择坐姿，不仅是为了保持脚踩大鼓和踩钗时的一致性，更重要的是为了保证胸部、肩部以及大臂能够得到放松。在击奏前，双臂要向上弯曲，并自然放在鼓面上，双手握鼓棒，且右手食指的第二、三关节处握住鼓槌的手柄处，以保证右手中指、无名指以及小指能够自然弯曲，方便对鼓槌的控制。同时，左手的掌心要朝里面弯曲，用左手无名指的第三关节抵住鼓棒，其他手指有右手一样，自然弯曲，形成握球的姿势。

掌握有效的架子鼓击奏法是不可缺少的，其击奏要领在于速度上，当鼓棒接触到鼓面之后，需要立刻收回，恢复成打击鼓前的预备打鼓状态，可以说敲击动作知识一个片刻试件。对于刚进行架子鼓学习的新鼓手而言，其在架子鼓演奏时必须要深刻掌握小鼓的击奏位置，击奏位置应在小鼓中心位置的三厘米到五厘米处，且需要对单手演奏技巧进行反复的练习，等单手演奏练熟之后再进行双手的演奏训练，直至双手可以相互配合演奏高难度的乐曲。

在正常情况下，大鼓踏奏是选择右脚踏击的，用脚跟踩住踏板的后端位置，形成以踝关节为轴，前脚掌踏击踏板的击打方式。在架子鼓的整个演奏过程中，鼓手应时刻使腿部和脚部的肌肉保持放松状态，为了保证踏击动作的高效高质，应瞬间完成槌头弹击鼓面的动作。当遇到节奏强烈的乐曲时，可适当抬起脚部，换成脚尖踏击踏板，以实现预想的架子鼓演奏效果。

踩镲踏奏选择的是左脚踏击，其击奏要领是用脚跟踩在踏板的后端位置，与大鼓踏奏法一样，也是以踝[huái]关节为轴，前脚掌踏击踏板，但是踩镲踏奏法的前脚掌在对踏板进行踏击后，不需要立即弹回，而是要继续控制延音，营造封闭式的音响效果，这是与右脚进行大鼓踏奏的不同之处。

嗵鼓击奏的要领和小鼓一样，在进行换鼓击奏时，需要用手腕带动大臂和小臂，自然地运动其他各鼓的位置，形成自然协调的动作。

在乐队演奏的过程中，鼓手掌握着乐曲的速度和节奏等重要环节，尤其是在爵士乐中，鼓手特别需要与其他乐手保持良好的合作状态，整场演出才会更出色，更加成功。因为鼓手掌握着整个乐队的演奏速度和节奏，其演奏方法直接影响着架子鼓的音色、力度和节奏。另外在爵士乐中，鼓音色的控制、力度的控制以及速度的控制都是体现鼓手技巧的重要因素。

吉恩·克鲁帕（Gene Krupa），全名尤金·伯特拉姆·克鲁帕（Eugene Bertram Krupa）（1909年1月15日出生于美国伊利诺伊州芝加哥，1973年10月16日逝世于纽约州扬克斯）。

吉恩·克鲁帕

克鲁帕是美国爵士鼓手，乐队负责人和作曲家，以其充满活力的风格和表演技巧而闻名。他在《唱，唱，唱》（1937）中的鼓独奏将鼓手的角色从单纯的伴奏提升为乐队中重要的独奏声音。他还与 Slingerland 和 知音镲片（Zildjian）等制造商合作，是定义现代标准乐队鼓组套件的重要人物。克鲁帕被《现代鼓手》杂志誉为“现代鼓组之父” 。

史蒂夫·盖德（Steve Gadd）是一位美国鼓手、打击乐手和音乐家。是业内最知名、最受推崇的会议鼓手和录音室鼓手之一，他于1984年入选现代鼓手名人堂。

Gadd在音乐厅表演

1973年，Gadd建了爵士融合乐队L'Image 。同年他开始为爵士唱片公司CTI Records制作多张专辑，支持Milt Jackson、Chet Baker、Art Farmer、Jim Hall和Hubert Laws等艺术家。Gadd 在Steely Dan1977年爵士摇滚专辑《Aja》的主打歌曲中担任鼓手。据2019年的一份报告称，他在歌曲结尾演奏的鼓独奏已成为“传奇”爵士乐文章，具有“爆炸性的桶鼓运行和清脆的铙钹凹槽”。Gadd写了一本关于鼓乐基础知识的书，名为《Gaddiments》，于2021年在Hudson Music上发行。

史蒂夫·史密斯（Steve Smith）1954年出生在美国马萨诸塞州，19岁就开始了他的职业音乐生涯。 除了发展自己的乐队 Vital Information，史蒂夫还常常与吉他手 Scott Henderson 和 Frank Gambale、贝斯手 Stu Hamm 和 Victor Wooten 等人合作，引领着爵士乐的融合复兴。

史蒂夫·史密斯

2001年，《现代鼓手》杂志将史密斯评为史上25名最佳鼓手之一。第二年，他被选入现代鼓手名人堂。2003年，他的DVD 《Steve Smith Drumset Technique – History of the US Beat》被评为年度第一教育DVD。

叶世荣1963年8月19日出生于中国香港，祖籍广东台山，中国香港男歌手、音乐人，Beyond乐队的鼓手及创队成员。

叶世荣

叶世荣是中国香港殿堂级摇滚乐队Beyond的鼓手。他受Deep Purple的影响而开始接触摇滚音乐，并且自学了打击乐器和吉他等。1983年与黄家驹等人组成了Beyond，从此走上了人生的音乐旅途。Beyond解散后，叶世荣开始发展其个人事业，发表了几张个人唱片。并且和不同的音乐人合作，推出了许多不同风格的音乐作品。同时成立公司培养年轻音乐人，为乐坛输送新鲜的血液。另外，叶世荣是知音镲片的香港地区代言人。

1920年，美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队，将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。如：乔治·格什温的《蓝色狂想曲》，为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。按照手稿上的记录，写这部作品只用了三个星期，演出后几乎是立即引起轰动。

《爵士乐编年史》内页插图

欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品，例如：德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》（1908）、《游吟诗人》（1910）、《怪人拉维纳将军》（1910年）；拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章（布鲁斯）；伊戈尔·菲德洛维奇·斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》（1919年）、《士兵的故事》（1918）、《黑木协奏曲》；欣德米特的《室内乐第一号》（作品24，无调性）和钢琴组曲（1922年）。

摇滚乐（rock & roll）是20世纪40年代末和1950年代初在美国发展起来的一种流行音乐流派。布鲁斯歌手特里克西·史密斯 (Trixie Smith)于1922年录制了《My [Man] Rocks Me with One Steady Roll》，它被用于20世纪40年代针对黑人听众的“节奏布鲁斯”音乐的录音和评论。

纪念艾伦·弗里德和俄亥俄州克利夫兰在摇滚乐起源中的作用的标志

60年代中期，摇滚乐天王“披头士（The Beatles）”受到乐迷的热烈欢迎，并逐渐侵蚀爵士乐的江山。在无法抵挡这股强大的新音乐潮流，并挽救日渐走入死胡同的爵士音乐，迈尔士戴维斯（Miles Davis）就以加入摇滚乐作为策略，推出2张结合摇滚乐节奏、电子乐器和爵士乐的成功专辑《In A SilentWay》、《Bitches Brew》，为爵士乐开启一个色彩缤纷的崭新大门，透过这扇大门，所有的音乐素材都能被融合在一起。随着Miles Davis所代表的摇滚爵士乐风开启之後，随之而起的就是所谓的“融合乐”（Fusion），直到80年代所有有关此类型风格的爵士乐，被称为摇滚融合爵士乐（Jazz-Rock-Fusion）。

放克爵士（Jazz funk），又叫做灵魂爵士，是一种源于50年代中期的爵士乐。它从硬波普中发展而来，但是与比波普和硬波普之间还是有区别的。放克音乐的特点是放克、切分音低音线和稳定、富有感染力的鼓节奏，这使得它成为最受欢迎的音乐流派之一。

放克音乐

放克爵士乐经典专辑《Back at the Chicken Shack》是吉米·史密斯(Jimmy Smith)与斯坦利·特伦坦(Stanley Turrentine)及肯尼·布瑞尔(Kenny Burrell)合作经典作品，爵士乐迷必藏品之一。迈克尔·杰克逊 (Michael Jackson) 则于 1982 年发行了热门唱片《Thriller》，其中包括受放克启发的热门单曲《Billie Jean》。 美国BASS界巨擘斯坦利.克拉克(Stanley Clarke)个人第四张专辑《School Days》发行于1976年10月8日，曾在Billboard 200中位列34，以及爵士专辑排行榜上排名第2，专辑风格为Jazz funk以及Jazz fusion。这张专辑里面分工非常明确，Stanley Clarke在单曲《The Dancer》中负责了电子贝斯，人声哼唱以及原声钢琴的部分。

流行音乐中，架子鼓的发展具有重要的现实意义与价值，对流行音乐的发展产生促进作用。其不仅丰富音乐的演奏内容，还创新了音乐的演奏手段，赋予音乐更多的灵动与形象感，带动音乐行业的更好发展。

架子鼓在现场演奏过程中能产生绚丽音效，是音乐演奏的关键乐器。随着制作手段的更新，流行音乐的具体录制中，人们通过一些软件能够替换一些乐器的音效，但是针对真正了解音乐内涵与品质的人，制作软件的音响无法替换真正的乐器，尤其是现场演奏中，架子鼓持有的流行性与渲染性，在很大程度上可以调整音乐现场的氛围，带给表演者酣畅淋漓的视觉听觉感受。所以架子鼓在流行音乐中占据重要地位。

架子鼓凭借自身的优势正循序渐进地朝独奏乐器方向转变，一方面它可作为节奏乐器，另一方面也能作为色彩乐器。由于具有舒缓柔和与活跃热情的特征，影响着乐队的发展，因此，架子鼓可以充当自娱自乐的乐器。

跨界成为新型的音乐创作词汇，多个音乐家均在探索音乐内容、音乐媒介、音乐理念与音乐手段层面上的跨界模式，电子音乐便是音乐跨界的产物。架子鼓具备较强的流行特征，可发展为跨界音乐的手段。比如凤凰传奇的音乐会，结合西洋交响乐队以及流行乐队，涉及到架子鼓的运用，其转变了音乐的样貌，使音乐风格不仅展现柔情还非常经典。

在架子鼓发展的过程中，新型打击乐形式得以创新，电子打击乐也就是电鼓，存在较强的发展潜能。音序器中涉及多样化的音乐风格，鼓手能够在对应伴奏的带领下加以演奏，调整好伴奏速度与音量大小。触发器把力度的变动细致化整理，赋予音乐更大的吸引力，因此架子鼓可以带动打击乐器的创新，发展前景良好。*数据来源：

传统的原声架子鼓在使用后有时硬件会生锈，或者带有螺钉的部件会停止正常移动，需要对设备进行擦拭干净。

镲片的保养需要让其保持原有的光泽。钹由金属制成，但通常上面有透明涂层，这样金属就不会暴露在自然环境中。在正常使用过程中，钹是用棍子敲击并直接用手触摸的，随着时间的推移，涂层会磨损，尤其是手上的污垢和油脂会导致氧化和生锈，从而对镲片的音质产生负面影响，因此应使用镲片抛光剂去除这些污垢。市场上有各种镲片抛光剂。有的用布去除，有的喷洒并用干布擦掉，还有的含有强酸，抛光后必须立即冲洗掉。它们都含有强力金属抛光剂，如果使用不当，可能会损坏镲片。因此，清洁镲片时，一定要小心，不要损坏音槽。镲片表面有无数个凹槽（音槽），这些凹槽的形状和深度有助于赋予镲片特有的音色。如果抛光太多，音槽会被压平，使镲片光滑，这将永久改变镲片的音质。

镲片抛光

踩镲架子以及踩槌的踏板这些需要经常运动的地方需要定期进行润滑油的滋养，以此来保持良好的运动状态，如果在表演的过程中，有配件或弹簧出现了刺耳的“吱呀”声，此时就需要更换新的配件。

鼓皮在保养的过程中需要对其保持弹性，以延长其使用寿命。“下鼓皮”一般都可以使用很长的时间，但是“上鼓皮”就不一定了。建议能经常更换“上鼓皮”以保持其弹性和良好的手感。经常使用破旧不堪的鼓皮不但没有音色而言，同时还会把手感毁掉。